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May 06, 2023

Les Grammys

Photo: Interview d'Andy Pollitt Alors que Jelly Roll entre officiellement dans le pays

Photo : Andy Pollitt

entretien

Alors que Jelly Roll entre officiellement sur le territoire national avec son dernier album, "Whitsitt Chapel", le rappeur devenu star de la country se sent comme un homme changé - et vise à donner de l'espoir à ceux qui se sentent perdus.

Lorsque Jelly Roll est allé à l'église pour la première fois avec sa fille, Bailee, il ne cherchait pas le salut. Mais alors qu'il était assis sur un banc d'église, il a réalisé que l'histoire de sa propre relation avec la rédemption et la religion était celle qu'il devait partager.

"En dehors de la religion, l'idée de pouvoir être racheté est juste une excellente idée. L'idée que qui nous étions n'est pas qui nous sommes est si puissante", a déclaré Jelly Roll à GRAMMY.com. "À ce moment-là, je me suis dit : 'Je veux écrire un album conceptuel, qui décrit en quelque sorte mon parcours religieux, mon parcours spirituel, mon parcours de rédemption, mon parcours de méfaits.""

Née Jason DeFord, Jelly Roll a passé une décennie dans et hors de la prison fédérale et a été incarcérée à la naissance de Bailee en 2008. Sa naissance a été un tournant pour la chanteuse, qui a commencé sa carrière musicale en tant que rappeur en 2011. Mais l'Antioche , originaire du Tennessee, a toujours aimé la musique country, et quand il a réalisé qu'il savait chanter, il s'est essayé à l'écriture de chansons country.

Ce qui a suivi est Whitsitt Chapel, le premier album country complet de Jelly Roll. Nommé d'après l'église où il a été baptisé à 14 ans, le LP est une dissection effacée, honnête et graveleuse - et parfois une condamnation - de sa propre histoire de vie et de sa relation complexe avec la religion. Qu'il implore "Que quelqu'un me sauve, moi de moi-même", sur "Save Me" ou qu'il réfléchisse à ce que signifie se montrer, dans "Hungover in a Church Pew", le type de religion de Jelly Roll est celui de la compréhension, du pardon et de la croissance. .

S'appuyant sur la brutalité de son précédent LP, Ballads of the Broken de 2021 - qui a valu à Jelly Roll son premier hit n ° 1 avec "Son of a Sinner" - Whitsitt Chapel présente Jelly Roll comme l'une des étoiles montantes les plus intrigantes de la musique country. Ses récits honnêtes de ses luttes – soutenus par une voix convaincante et granuleuse et des rythmes country-trap entraînants – transforment ses spectacles en direct en performances captivantes, créant une atmosphère presque religieuse pour les fans et le chanteur lui-même.

S'adressant à Grammy.com le jour de la sortie de Whitsitt Chapel, Jelly Roll a évoqué la réalisation de son dernier album, ses espoirs de réforme du système judiciaire et son propre voyage vers la rédemption.

Eh bien, tout d'abord, joyeux jour de sortie de l'album. Comment vous sentez-vous aujourd'hui?

Oh merci. C'est mieux qu'un anniversaire. C'est comme avoir un bal de promo dont tu es le roi. Je ne suis jamais allé à un bal, mais je suppose que c'est le sentiment.

Vous avez vendu le Ryman Auditorium cette semaine pour votre émission de sortie. Et j'ai entendu quelques personnes décrire cette émission comme un sentiment d'aller à l'église. Je suis curieux de savoir ce que ça fait de votre côté des choses.

Tu sais, mec, j'aime que les gens comparent ça à aller à l'église. Parce que j'ai l'impression que c'est comme ça qu'on essaie de faire tous les concerts. Je dis toujours que mes spectacles sont un peu de hip-hop, un peu de rock, beaucoup de country et un peu d'un renouveau de la tente de la route secondaire.

Nous mélangeons tous les vieux trucs et les nouveaux trucs. Donc par défaut, il y a beaucoup de croisement de genre. Mais la renaissance de la tente de la route secondaire n'est qu'une sorte de thème de l'ensemble du projet. C'est ce vieux jeu "Allons à l'église, soyons un peu tapageurs, mettons un peu de feu de l'enfer et de soufre ici." Et tout bon sermon du dimanche a des hauts et des bas, des moments où vous pleurez, des moments où vous êtes heureux, des moments où vous avez peur, des moments où vous êtes excité, et nous essayons simplement de recréer cela dans le spectacle.

Avez-vous eu l'impression d'être là-haut en train de prêcher ?

Je pense que la musique fait la prédication, je parle juste. Vous savez ce que je veux dire? Je pense que la musique est le sermon, je ne suis que le diacre.

Quand avez-vous réellement commencé à rapper et à le partager avec les gens ?

J'ai probablement écrit mon premier rap quand j'avais 10 ans, peut-être 11 ou 12 ans. Et je l'ai immédiatement partagé avec ma famille. Comme n'a pas hésité. Le premier rap que j'ai écrit était vraiment nul. Et j'ai couru en bas avec une grande fierté, les gens se sont rassemblés autour de la table de la cuisine, et je les ai regardés agir comme si c'était décent.

Comme le fait la famille. Alors, comment avez-vous fait le changement pour faire de la musique country ?

J'ai toujours voulu faire de la musique country parce que je suis juste un fan de musique country. Et j'ai l'impression que "trois accords et la vérité" a toujours été la prémisse de ma musique. Je ne savais pas que je pouvais chanter. Si quelqu'un m'avait dit que j'avais une voix de chanteur cool quand j'avais 20 ans, je ne pouvais pas imaginer où en serait cette chose maintenant. J'étais, genre, dans la mi-trentaine quand j'ai découvert que je pouvais chanter.

Je faisais du karaoké et nous faisions du Bob Seger, "Old Time Rock and Roll". Je suis sorti de scène. Et un producteur était comme, "Mec, tu dois faire une chanson où tu chantes." Et je me suis dit : "J'aurais fait ça il y a 20 ans si j'avais pensé que je pouvais chanter, je suis un mauvais chanteur." Il est comme, "Pas ce que je viens d'entendre." J'ai commencé à y travailler, et vous pouvez voir que j'ai cet album Whitsitt Chapel, c'est la première fois que vous pouvez entendre à quel point je suis à l'aise avec ma voix.

L'écriture des chansons et tout, la musique a évolué. Comme je le dis, la musique a suivi l'homme : l'homme a changé et puis la musique a changé, ce gros vieux tas d'ions humains vient de traîner la musique avec moi, partout où je me suis retrouvé au micro.

Après ce moment de karaoké, vous avez sorti "Save Me", que je considère comme votre passerelle vers la musique country.

C'était le grand pont, c'était en 2020, et c'est à ce moment-là qu'il a commencé à se mettre en place. Mais vous voulez parler de grands liens en tant que chanteur - j'ai dû réapprendre à chanter "Save Me" cette année. C'est la première fois que je raconte cette histoire. Quand j'ai appris à chanter "Save Me", c'était le registre le plus haut que je pouvais chanter, j'atteignais chaque note. Maintenant, je peux chanter des octaves au-dessus. Maintenant que je chante plus haut, j'ai dû apprendre à m'adapter à la tonalité réelle de la chanson.

Cela ressemble un peu à une surprise.

C'etait intéressant. Je n'avais pas réalisé à quel point j'avais obtenu au cours de la dernière année ou deux. Mais c'était amusant. C'était cool. Parce que j'apprends, je suis encore novice dans ce domaine. Je pense que c'est aussi pour ça que je suis si excité, c'est que je comprends vraiment un peu plus la théorie de la musique. Je comprends mieux la structure des accords. Je comprends les touches, l'octave, la hauteur, le contrôle. Ce sont des choses dont je n'avais aucune idée quand j'ai fait "Save Me".

Étudiez-vous le solfège dans le cadre de cette transition ?

Non, je joue juste un peu de guitare quand je peux, je fais beaucoup plus de trucs acoustiques. Ma fille joue un peu de piano, un peu de guitare. Alors j'essaie juste d'absorber tout ce que je peux.

Je pense que la religion peut faire beaucoup de choses différentes. Et c'est assez central à Whitsitt Chapel. Pouvez-vous me parler un peu de votre relation avec la religion ?

Je suis vraiment, vraiment, vraiment contre la religion. Je ne suis pas très religieux du tout. Mais je crois définitivement en la spiritualité. J'ai eu cette pensée, comment je regarde l'église et comment je vois l'église maintenant est différente de ce que je n'ai jamais vu. J'ai réalisé que c'était un groupe de personnes qui se rendaient dans un endroit pour tenter de construire une communauté, de demander pardon et d'être meilleur.

Et quand c'est bien fait, je me fiche de ce que vous pensez de Jésus, de Dieu, d'Allah, de tout ça, c'est un concept incroyable, n'est-ce pas ? Que les gens viennent ici avec l'idée de faire mieux, d'être meilleur et de communauté. Et en regardant cela en tant qu'adulte - parce que j'étais en colère contre l'église depuis longtemps, je pense qu'ils ont parfois mal décrit Jésus - mais en comprenant et en y revenant, je vois quel en est l'esprit.

Mais ensuite, vous écrivez aussi des lignes, comme "Je ne parle à Dieu que lorsque j'ai besoin d'une faveur." Pouvez-vous me rectifier la tension réelle dans cette ligne, avec ce que vous venez de me dire ?

Eh bien, c'était un jour assis au fond d'une église et j'écoutais de la musique d'adoration. Et ne pas être en mesure de m'identifier à cela et où j'en suis avec ma marche et ma spiritualité. Et vous le regardez de ce point de vue, et vous vous dites : « Quel est mon lien, comment sonnerait ma chanson à Dieu ?

Et j'ai l'impression que c'est, "Je ne parle à Dieu que quand j'ai besoin d'une faveur. Je prie seulement quand je n'ai pas de prière." La troisième ligne de ["Besoin d'une faveur"], pour moi, est la ligne la plus puissante, "Alors qui suis-je, qui suis-je pour espérer être sauvé?" Pensez juste au mot "attendre" dans cette ligne, le droit de cela. C'était juste être honnête sur la façon dont je vois l'église, et puis il y a ma marche personnelle avec Dieu, et ils sont définitivement différents. Donc pour moi, c'était essayer de créer cette musique avec cet esprit.

Alors comment en es-tu venu à nommer cet album pour l'église de ton enfance ?

Eh bien, ça a commencé quand je suis allé avec Bailee à son église. Alors Bailee est ma fille, elle avait 14 ans, quand elle a commencé à aller à l'église, elle avait fait allusion au fait de vouloir se faire baptiser. [Je pensais], eh bien, je devrais aller voir dans quel genre de culte elle va, parce que c'est comme ça que je voyais l'église à cette époque. Et puis j'y suis allé, et cela m'a rappelé l'authenticité qui peut aussi être dans ces murs. Je me suis souvenu de l'humanité et de la compassion et du pardon, de l'amour et de la communauté, plus que tout en la regardant, elle et tous ses amis là-bas.

Et j'avais commencé à penser à où j'étais quand j'avais 14 ans. Je vais aussi dans une petite église, sur une petite route secondaire sur une colline, il y a juste ces petits parallèles. Bailee a expérimenté et touché à la marijuana pour la première fois, je l'ai attrapée récemment. À peu près au même âge, je barbotais dans la marijuana et les ennuis. C'était juste réflexif.

Et puis vous commencez à penser à la rédemption. En dehors de la religion, l'idée de pouvoir être racheté est juste une excellente idée. L'idée que qui nous étions n'est pas qui nous sommes est si puissante. À ce moment-là, je me disais : "Je veux écrire un album conceptuel, qui décrit en quelque sorte mon parcours religieux, mon parcours spirituel, mon parcours de rédemption, mon parcours de méfaits." [C'est] mon point de vue sur toutes ces choses, d'un gamin de 14 ans qui se fait baptiser à Whitsitt Chapel à l'homme de 39 ans qui vient de voir son fils de 14 ans se faire baptiser.

Et je pense que 14 ans a été une année assez importante pour vous, du moins une année compliquée pour vous. Votre fille a 14 ans, quel impact cela a-t-il eu sur vous ?

C'est ce qui m'a donné envie de passer à l'action. La même année où je me suis fait baptiser, j'ai été arrêté, et cela a commencé ce qui allait être un cycle de 10 ans d'incarcération de part et d'autre. Et elle est dans un bien meilleur endroit. Elle est tellement meilleure que j'aurais pu l'être à cet âge, ou que je ne le serai probablement jamais. Mais c'est aussi ce qui l'a drogué, parce que je sais que ce sont les années. Je parle tout le temps aux gens. Ils sont comme, "Quelles sont selon vous les années les plus importantes de la parentalité?" Je dis "Tous les jours. Mais s'il y a une fenêtre, c'est de 14h à 18h."

Et au spectacle de Ryman, vous avez parlé de retourner à Whitsitt Chapel pour parler à votre pasteur. Que s'est-il passé lorsque vous êtes revenu, et qu'est-ce qu'ils pensent que vous ayez donné son nom à l'album ?

Cela m'a redonné confiance. Ils ont sorti mes dossiers et envoyé une photo de mon écriture, Jason, 14 ans, demandant à être baptisé - vous devez remplir une carte. Et cette église a gardé ce record pendant 24 ans. Fou, non? Donc, à ce moment-là, je me dis, je veux les rencontrer, pouvons-nous les aimer un peu? Je voulais aller m'asseoir et rencontrer le pasteur Ken, et rencontrer le reste de son équipe.

J'ai hâte d'entendre ce qu'ils pensent de l'ensemble de l'album. Je leur ai joué quelques chansons qu'ils ont adorées. Leurs mots exacts étaient "Mec, nous sommes juste heureux qu'il pense à nous. Nous pensons à lui, nous l'aimons. Nous prions pour lui. Nous sommes fiers de lui."

Mon objectif dans les prochaines semaines est de les surprendre, en passant un dimanche. Je devrais peut-être y aller ce dimanche.

Il y a un certain quelque chose dans ce timing n'est-ce pas ?

Oui, il y a quelque chose d'ironique là-dedans.

Maintenant que vous avez sorti un album country, vous voyez-vous pleinement comme un artiste country ?

Je me considère définitivement comme un artiste country. 100 pourcent. Ma femme m'a dit un jour que même si je chantais "Amazing Grace" n'importe où au nord de l'Ohio, elle disait que les gens diraient que j'étais country. Elle est comme "Tu ne penses peut-être pas que tu sonnes country quand tu chantes, mais je viens de Las Vegas et tu sonnes country. Quand tu chantes des chansons dans la maison, comme une chanson de Katy Perry ou quelque chose dans la maison qui te rend fou son pays." Ma femme m'a toujours harcelé à ce sujet.

Eh bien, la blague pourrait être sur elle, si vous sortez un album country maintenant.

N'est-ce pas génial? Elle aime ça. Ce qu'elle préfère, c'est quand elle parle de ma voix traînante, quand elle fait l'impression de son mari, c'est la meilleure.

Pour qui avez-vous écrit ces chansons ?

J'ai écrit ces chansons pour quiconque s'occupe de la dualité de la vie. Revenons à ce service du dimanche, je suis sorti et je me suis trop servi, bien des samedis. Bien des dimanches matins, je me suis encore réveillé et je me suis présenté, et c'est la dualité de l'homme.

C'est une sorte de "Son of a Sinner" à nouveau. C'est toujours quelque part entre avoir raison et tort, parce que je pense que c'est exactement l'endroit où je vis. Je sais que mon cœur est pur. Je sais que mon esprit est bon. Je sais aussi que je fais des blagues vraiment politiquement incorrectes. Et faire la fête parfois, et je suis un peu stupide et scandaleux. Mais je sais aussi que mon cœur est d'être un homme de service et d'aider les gens. J'écris donc pour ce genre de personnes, le poète en difficulté de l'homme brisé. Toujours essayer d'être la voix des sans-voix.

Et vous terminez vraiment l'album à cet endroit, "Hungover in a Church Pew", n'est-ce pas ?

Oui, c'était important dans l'album de cette façon, parce que j'en avais besoin. Parce qu'il y a des moments où ça sonnerait comme "The Lost": "Je suis connu pour trouver mon genre de personnes / Ils ne sont pas chez eux sous les clochers des églises." Mais même à travers tout ce voyage de cet album, tous "Hold on Me", ma lutte contre l'alcool, ma chanson d'amour à ma femme, "Save Me", "Need a Favor", "Dance with the Devil". Même après tout cela, j'ai toujours trouvé mon chemin vers ce genre de gueule de bois optimiste, à mi-tempo, "rayon de soleil sur ce vitrail, le prédicateur prêchant ce feu et ce soufre". Donc pour moi, c'était cool, parce que je me disais : "J'ai entendu ton feu et ton soufre." Je cherche toujours la rédemption.

Et ce milieu de la route aussi, un pied à deux endroits, n'est-ce pas ?

Exactement.

Je suis curieux d'en savoir plus sur votre histoire. Vous êtes vraiment ouvert sur le fait d'être un forçat. Et c'est quelque chose qui est au cœur de votre identité. Je suis curieux du choix de garder cela au premier plan de votre identité.

Eh bien, je m'en souviens tout le temps. Donc je pense que c'est mon objectif maintenant alors qu'on me rappelle constamment que je veux rappeler aux gens que vous pouvez changer. J'ai essayé d'acheter une maison il y a quatre mois, et j'ai été refusé à cause de mes crimes. Je m'en occupe encore aujourd'hui.

Je pense qu'il s'agit plus maintenant d'essayer d'attirer l'attention sur la cause, d'avoir une sorte de réforme de la justice. Mes crimes qui sont inexpugnables, que j'ai eus quand j'avais 16 ans. Vous savez, je ne pensais pas comme un homme qui aurait dû le lui reprocher depuis une vingtaine d'années.

Alors, que voulez-vous que les gens comprennent à ce sujet ?

Je pense que nous devons simplement réexaminer le système juvénile, si nous concentrons nos efforts sur la discipline ou la réhabilitation. Et je pense que cela se répercute également sur la pandémie de toxicomanie en Amérique. Concentrons-nous correctement notre attention sur la réadaptation? Trouvons-nous encore des moyens alternatifs ? Pouvons-nous accepter que la guerre contre la drogue soit une guerre que nous avons perdue ? Mon histoire est juste une tentative d'attirer l'attention sur ces sujets. Et mon truc, c'est que je ne pense pas que ce soit une taille unique pour tout le monde. Comme, même jusqu'à mon crime, je pense que ces choses devraient être au cas par cas.

Vous avez fini par faire don de votre produit de votre récent spectacle Bridgestone Arena. Était-ce à une variété de programmes pour les jeunes ou au centre de détention pour mineurs où vous étiez incarcéré ?

Nous avons construit un studio au centre de détention où j'étais, nous avons également accordé des bourses à certains lycéens locaux. Je ne voulais pas limiter les jeunes à risque aux seuls enfants incarcérés. Parce que je crois qu'il y a des enfants à risque qui n'ont pas encore pris cette décision, mais qui ne savent pas non plus comment ils iront à l'université. Je veux aider ces problèmes aussi.

Quel est votre espoir pour ce que cet argent peut faire?

J'espère que cela créera un espace sûr où les enfants pourront créer de la musique et s'exprimer. Mais c'est plus important pour moi dans la mesure où j'ai un plan sur 10 ans ici que je veux changer. Je veux ouvrir des foyers de groupe, éventuellement, je veux ouvrir des programmes de suivi, des centres communautaires. Je veux apporter d'autres métiers dans l'établissement pour mineurs où j'étais. J'ai commencé par la musique parce que c'est ce que je connais. Mais j'espère intégrer le barbier et la soudure, tout ce que je peux apporter pour aider ces enfants à réaliser qu'ils pourraient avoir une autre façon de s'y prendre.

Est-ce à cause du chemin parcouru ?

Je pense que c'est à cause du chemin que j'ai parcouru et de ma capacité à redonner. Je veux aider. Qui êtes-vous si votre vie a radicalement changé et que vous n'essayez pas d'aider ?

Vous sentez-vous comme une personne différente de celle où vous avez commencé à faire de la musique ?

Je suis une personne tellement différente. Vous pouvez l'entendre dans la musique. Vous pouvez le voir dans le témoignage. Merde, je suis fier de dire que je vais mieux aujourd'hui qu'il y a une semaine. J'ai consciemment pris des décisions et des choix et j'ai réalisé des choses qui me manquaient. Je fais mon inventaire tous les jours.

C'est juste l'idée que j'ai apprise à travers différents programmes, le concept de regarder les choses en arrière et de faire chaque jour un inventaire : « Ai-je été gentil ? Est-ce que je m'en souciais ? Qu'ai-je fait qui ne me semblait pas juste ? Je regrette d'avoir dit ? N'ai-je pas appelé quelqu'un ? N'ai-je pas dit quelque chose que j'aurais dû dire ? Cela vous gardera reconnaissant. Cela vous gardera également humble. Parce que parfois l'inventaire est juste, "De quoi suis-je reconnaissant ? Que s'est-il passé au cours des dernières 24 heures pour lequel je suis reconnaissant ?"

Eh bien, ces dernières 24 heures pourraient avoir quelques choses pour lesquelles vous pourriez être reconnaissant.

Whooo, ces dernières 24 heures sont bien remplies. Il va m'emmener jusqu'au week-end. J'ai maintenant droit à quelques conneries. Nah, je plaisante. C'est cet équilibre, non ? "C'est comme si d'accord, j'ai mérité une nuit d'insouciance."

Eh bien, dimanche arrive, n'est-ce pas ?

Amen.

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Photos (de gauche à droite, dans le sens des aiguilles d'une montre à partir du coin supérieur gauche) : Jason Merritt/FilmMagic, NurPhoto/Corbis via Getty Images, Chelsea Lauren/WireImage, Juan Aguado/Redferns)

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Le huitième album studio d'Avenged Sevenfold est sans doute le plus éclectique à ce jour. Mais en regardant la discographie complète du groupe de hard rock, le LP expérimental et rebondissant sur le genre pourrait ne pas ressembler à un changement aussi dramatique.

Originaires de la scène punk du comté d'Orange, Avenged Sevenfold, leader des charts métal, a toujours repoussé ses limites personnelles et artistiques, embrassant les sensibilités de la nouvelle école tout en s'inspirant des groupes classiques. Leur dernier album, Life Is But A Dream… reprend toutes leurs influences et leur penchant pour les chansons de genre et les mélange dans un nouveau paysage sonore audacieux.

Le LP de 11 pistes - le huitième d'Avenged Sevenfold - présente de longues durées, des compositions expérimentales et un accompagnement orchestral occasionnel. Bien que son changement rapide de genre en fasse une collection stimulante, il permet également à l'album de se démarquer des autres œuvres de groupes de rock traditionnels.

Comme Life Is But A Dream… le suggère, la volonté d'expérimentation d'Avenged Sevenfold est ce qui a maintenu le groupe actif et vital pendant près de 25 ans. Ils n'ont pas non plus hésité à aborder des sujets complexes dans leurs paroles, plongeant dans des thèmes fantastiques, abordant des problèmes sociaux et politiques et s'émouvant sur des chansons sur la mort, l'existence et le deuil de leur défunt batteur, The Rev.

Bien qu'ils aient servi plusieurs succès anthémiques comme "Bat Country" et "Hail To The King" en cours de route, les coupes profondes sont ce qui a gardé leur musique intrigante. Combinez tout cela avec la présence vocale puissante du leader M. Shadows, les pistes brûlantes du guitariste Synyster Gates et leur interaction avec le guitariste Zacky Vengeance, la puissance rythmique du bassiste Johnny Christ et leur puissance de batterie tardive The Rev, il n'est pas étonnant que le groupe ait a conservé un public fidèle depuis le début. Le résultat a été cinq disques de platine, deux albums n ° 1 et une nomination aux GRAMMY.

Alors qu'Avenged Sevenfold sort son huitième album, GRAMMY.com a plongé profondément dans le catalogue du groupe pour examiner comment garder un esprit et des oreilles ouverts les a conduits sur des voies musicales enrichissantes.

Les débuts d'Avenged Sevenfold ont été enregistrés dans des conditions primitives. Initialement un quatuor - Shadows, Vengeance, le bassiste Justin Sane et le batteur Jimmy "The Rev" Sullivan - le groupe avait un budget de 2 000 $ pour jouer. Le Rev solidifierait immédiatement sa crédibilité en tant que force de batterie en enregistrant chaque chanson en une seule prise, et le groupe enregistrait tout le reste sur ces pistes serrées et souvent hyperactives.

Avenged avait un son complètement féroce sur des chansons thrash comme "Darkness Surrounding" et "Thick and Thin", puis contrastait avec la ballade au piano "Warmness On The Soul" et le punk mélodique de "Streets", un morceau porté par le groupe précédent de Shadows Échec réussi. Contrairement à tant d'épopées ultérieures, la plupart des morceaux tombaient dans la plage de 4 minutes (la première et la dernière fois pour une sortie Avenged), à l'exception du morceau de clôture mélancolique de 7 minutes "Shattered By Broken Dreams". La chanson commence dans la veine d'une ballade acoustique avant de se transformer en un jam électrique élégiaque, combinant plusieurs de leurs influences dans une seule composition.

Une autre de ces influences est apparemment leur ville natale de Huntington Beach, en Californie, qui, selon le groupe, a une population très diversifiée et éclectique. Les chansons de Trumpet reflètent cela, combinant des éléments de metalcore, de punk et de métal classique dans un effort bruyant – quoique parfois inégal. Même s'ils étaient tous encore adolescents lorsqu'ils ont enregistré le projet, cela s'est tout de suite révélé prometteur.

Les changements de line-up après la sortie de leur premier album ont entraîné l'arrivée du roi du shred Synsyter Gates à la guitare en avril 2001 et de Johnny Christ à la basse en septembre 2002. En signant avec Hopeless Records, qui a réédité leur premier album, A7X a immédiatement montré comment le groupe remanié s'est gélifié. plus et possédait une confiance accrue dans le studio avec leur prochain effort, Waking the Fallen. Avoir deux six cordes augmentait la lourdeur et leur potentiel d'écriture de chansons, et c'était génial pour libérer de grandes harmonies de guitare.

Le producteur de Godsmack Andrew Murdock (alias Mudrock) est venu à bord en tant que coproducteur et a poussé le groupe à aller plus loin. Il a délibérément freiné la batterie de The Rev pour équilibrer le chaos avec le contrôle, et le groupe a encouragé Shadows à chanter davantage et à ne pas se concentrer uniquement sur les cris, en particulier à la lumière de sa chirurgie vocale vers 2002 qui a mis deux ans à se remettre complètement. Bien que ce changement de chant influence profondément leur prochain album, il ne plaira pas à certains des premiers fans du groupe. Mais cela a aidé à ouvrir davantage leur musique. Les singles "Eternal Rest/Chapter Four" et "Unholy Confessions" ont bien mélangé leurs influences new et old-school.

Le morceau "Remenissions" faisait partie de ceux qui laissaient entrevoir la mentalité multidimensionnelle à venir, mêlant un metalcore agressif à un travail de guitare acoustique inattendu. "Je ne te verrai pas ce soir" en deux parties de 13 minutes est l'une des pièces les plus convaincantes de l'album, à la fois pour son sujet - détaillant les ombres marchant sur Sane tentant de se suicider, du point de vue de Sane - et pour sa progression d'une ballade puissante épique à la seconde moitié rugissante, qui invoque la réaction de Shadows à la note de suicide de son ami.

Il était clair d'après Waking The Fallen qu'Avenged Sevenfold mûrissait rapidement. Leur musique et leurs tournées régulières, y compris le Vans Warped Tour, ont préparé le terrain pour la grande percée.

Avec Murdock dans le siège du producteur une fois de plus, le troisième album du groupe a représenté un tournant. Shadows a travaillé avec un coach vocal pour avoir une qualité de métal granuleux, mais pas pour souffler sa voix comme il l'avait fait quand il était plus jeune. Il s'attaque toujours à de nombreux cris en direct, mais il a adopté une approche vocale beaucoup plus disciplinée sur les enregistrements, avec un courage et une puissance qui évitaient carrément les cris. (Johnny Christ a pris en charge certains des autres cris en direct.)

La vidéo du deuxième single anthémique "Bat Country" a vraiment donné le ton au nouveau Avenged Sevenfold - des images diaboliques de Vegas, des mannequins vêtus de lingerie et de nombreuses chauves-souris (numériques). Le timing de cette transition a bien fonctionné, car le boom du nu-métal était terminé et le metalcore atteignait son apogée. Avec un renouveau classique du hard rock et du métal des années 80 en plein essor, le moment était venu pour un groupe plus jeune de prendre ces influences - Iron Maiden, Guns N 'Roses et Metallica parmi eux - et de les façonner en un nouveau son. Avenged Sevenfold était arrivé, accompagné de riffs lourds et d'harmonies de guitare majestueuses.

Peut-être que le chaos du metalcore avait disparu, mais écoutez les riffs rapides et les doubles coups de pied sur des morceaux comme "Blinded In Chains" et "Burn It Down", et il est clair qu'ils pourraient encore faire le tonnerre. Dans le même temps, leur vision du monde musical s'est élargie. Le métal mélodique de "Sidewinder" présentait le travail de guitare espagnol du père de Gates, Brian Haner, dans la longue coda latine de la chanson. "Seize The Day" rappelait les ballades puissantes classiques. Les trois derniers morceaux ont viré au métal mélodique à mi-tempo, y compris le galop "MIA" plus proche de Maiden sur les horreurs du champ de bataille.

La quatrième fois a été le charme de l'album autoproduit et éponyme du groupe. S'ouvrant sur l'assaut agressif de "Critical Acclaim" - qui comprenait des critiques des guerriers du clavier qui se plaignent des problèmes sociaux mais ne font rien pour les résoudre - l'album a traversé un très large éventail de territoires sonores. "Scream" a servi plus d'intensité de groove metal, "Rise" a livré du power metal à haute vitesse et "Gunslinger" a présenté un travail acoustique bluesy.

The Rev s'est particulièrement illustré sur cet album. Il aurait écrit 60% du projet lui-même, et il a également co-dirigé la voix sur la moitié des chansons. Il est rare qu'un batteur de rock participe autant à la musique de son groupe, mais il a certainement fourni beaucoup de matière artistique à la hauteur de sa propulsion percussive.

Avenged Sevenfold a clôturé avec deux morceaux inattendus. Le premier était l'épopée de 8 minutes "A Little Bit Of Heaven", évoquée par The Rev et inspirée par Tim Burton, Danny Elfman et Oingo Boingo. Comportant principalement une instrumentation orchestrale, le morceau original raconte une histoire joyeusement morbide de meurtre, de nécrophilie, de vengeance des morts-vivants et de tuerie. En revanche, "Dear God" a clôturé les choses avec une ballade lente et country de solitude et de nostalgie sur la route. (La vidéo rappelle « Faithfully » de Journey.)

Laissez à ces gars le soin de livrer un coup de poing sans emphase métallique.

C'était à l'origine censé être le premier album concept du groupe, mais la mort tragique de The Rev suite à une overdose accidentelle en décembre 2009 a laissé le groupe face à un carrefour inattendu. Le grand vide laissé par leur batteur de 28 ans a été immédiatement percutant, et le groupe a enrôlé le batteur de Dream Theater Mike Portnoy pour terminer l'enregistrement de leur prochain album (en s'appuyant sur les parties de batterie pré-planifiées de The Rev) et les rejoindre sur le suivant. visite. Le choix était logique; Le Rev représentait la prochaine génération de joueurs puissants comme Portnoy, et le duo s'était auparavant lié personnellement.

Alors que l'approche conceptuelle originale de Nightmare a été abandonnée, elle est devenue quelque peu conceptuelle dans la mesure où de nombreuses chansons abordaient le désespoir et la douleur du groupe face à la perte de leur coéquipier. Les empreintes digitales du Rev sont partout sur l'album, qui favorisait souvent des chansons plus lentes et mélodiques que les efforts précédents. Mais il y avait aussi des morceaux plus thrash comme "God Hates Us", qui a servi de flashback metalcore pour le groupe.

Le premier des deux albums produits par Mike Elizondo (Eminem, Mastodon), Nightmare est sans doute l'album le plus émouvant d'Avenged Sevenfold. De nombreuses paroles exprimaient le chagrin et le chagrin qu'ils ressentaient, comme sur "So Far Away". L'éloge funèbre au piano "Fiction" (initialement appelé "Death") a été écrit par The Rev et s'est terminé trois jours avant son décès. Rétrospectivement, c'était étrangement prophétique, avec des paroles comme "a quitté cette vie pour me libérer" et "à la fin j'ai donné ma vie pour toi".

Après l'album et le cycle de tournée avec Portnoy, Avenged Sevenfold a fait appel à l'ancien batteur de Confide Arin Ilejay pour une tournée à partir de 2011, puis à la création de son sixième album studio. Ilejay a dû faire face à une tâche ardue – remplacer deux gros ensembles de chaussures derrière la batterie.

Hail To The King était un album différent. La majorité des morceaux avaient un rythme moyen ou plus lent, avec des grooves insistants qui lui donnaient une sensation de rock lourd des années 80. Il n'est pas rare que certains groupes de thrash changent d'orientation (pensez à Metallica et The Black Album), et le changement de rythme a produit des morceaux mémorables.

Alors qu'Ilejay s'attaquait aux parties plus rapides et plus tonitruantes de The Rev, il s'est concentré sur des grooves forts et lourds sur Hail To The King. Il y avait plus de cohérence dans l'approche du groupe ici, et les esprits de Metallica, Maiden, Megadeth et d'autres icônes classiques et thrash occupent une place importante sur l'album. De nombreux groupes ont fait des albums de reprises ou des chansons, Avenged inclus; ici, ils offrent plutôt un disque d'hommage.

À la manière d'A7X, la suite de la musique simplifiée de Hail To The King est devenue le premier véritable album concept du groupe, mais de manière plus thématique plutôt que d'utiliser un récit linéaire. Il tournait autour de l'intelligence artificielle et de la place de l'humanité dans le monde et l'univers.

Alors que la balise prog avait déjà été ballottée par rapport au groupe, The Stage a vraiment été à la hauteur de ce terme, car le groupe a expérimenté des signatures temporelles alternatives et des arrangements plus complexes. C'était du métal progressif agressif. Le producteur Joe Barresi (Coheed et Cambria, Bad Religion) est venu à bord cette fois, et Christ a récemment expliqué que Barresi ne dit jamais non à ce qu'ils aspirent à faire – il trouve juste un moyen d'y arriver.

Le quatrième album d'Avenged à s'ouvrir sur des vibrations gothiques - dans ce cas, une intro au clavier dans l'esprit de "Mr. Crowley" d'Ozzy Osbourne - le travail de tom martelant a annoncé l'arrivée du quatrième batteur du groupe, Brooks Wackerman, suite au limogeage de Ilejay derrière le kit. Wackerman a quitté son concert de longue date avec les icônes punk Bad Religion pour A7X, qui, selon eux, convenait mieux à la voie musicale sur laquelle ils se trouvaient. Il a certainement déclenché des remplissages et des coups de pied puissants pour attester de sa dignité sur leur trône de tambour.

La scène était animée par beaucoup de feu et de fureur, mais le groupe s'est également refroidi sur les ballades "Roman Sky" et "Angels" et les 15 minutes "Exist". Ce morceau gigantesque s'est ouvert sur un mystère ambiant, a éclaté dans la majesté du power metal et a traversé de nombreuses histrioniques de guitare, avec la voix tamisée de Shadows arrivant à mi-parcours. Ensuite, le groupe a conclu le tout avec un passage oral du célèbre astrophysicien Neil deGrasse Tyson – atteignant métaphoriquement et littéralement les étoiles.

Et maintenant nous arrivons à l'album qu'Avenged Sevenfold a menacé de faire pendant presque toute sa carrière. Inspiré par Mike Patton et son groupe expérimental Mr. Bungle, A7X canalise une philosophie "tout sauf l'évier de cuisine" dans ses nouvelles compositions.

Lorsque M. Shadows a annoncé que le groupe travaillerait avec un orchestre, beaucoup de gens avaient probablement des visions du S&M de Metallica ou d'un album néo-classique radical. Mais le groupe a défié les attentes en adoptant l'approche opposée, et la moitié des chansons sont deux fois moins longues que les chansons typiques d'Avenged. (En d'autres termes, ils durent trois à quatre minutes.) Même les barebones, la représentation au marqueur noir de la mort sur la couverture est un contraste frappant avec beaucoup de leurs pochettes d'album passées plus colorées.

Shadows a déclaré que Life Is But A Dream… explore l'existentialisme et l'absurdisme, et s'inspire en partie des écrits philosophiques d'Albert Camus ainsi que de l'utilisation de drogues psychédéliques par lui-même et Gates. L'album très éclectique est une étude de contrastes sauvages, avec ses fréquents changements de tempo et de dynamique et son approche avant-gardiste de l'écriture de chansons.

Un rythme thrash effréné se dissipe dans une douce section de flûte, de piano et de guitare acoustique sur "Game Over", ou dans des voix monotones et des sons industriels atonaux sur "We Love You" ; des cors hypnotiques et des voix émotionnelles crescendo à travers la dissonance de la guitare sur "Cosmic". Les quatre derniers morceaux invoquent à eux seuls des éléments de Broadway, du funk, du jazz, de la ballade à la Sinatra et, à la fin, un instrument de piano néo-classique.

Le dernier plateau d'Avenged Sevenfold revient sur ce que le groupe a montré depuis le début. En poussant eux-mêmes et leur public, on ne sait jamais à quoi s'attendre d'un nouvel album A7X - ou quel genre de marque il laissera sur son auditeur. Reste à savoir comment cette dernière épopée se maintiendra dans le temps, mais Life Is But A Dream… prouve qu'Avenged Sevenfold ne se reposera pas sur ses lauriers. C'est ce qui les a poussés tout au long.

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Photo : Scott Dudelson/Getty Images pour Coachella

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Depuis que Christine and the Queens a fait ses débuts en 2014, le chanteur indie pop a voyagé à travers l'exploration personnelle et musicale - et maintenant, il a créé l'album qui l'a changé.

"C'est mort pour moi", déclare Christine and the Queens à propos de la structure classique des chansons pop. "Ils ont tué la musique pop avec le capitalisme élevé. Ils ont infecté la mélodie."

L'artiste née Héloïse Letissier a toujours eu un flair pour l'avant-garde, repoussant les limites et explorant les thèmes de l'identité dans sa musique. (Sur "iT", le morceau d'ouverture de son premier album de 2014, il a chanté de façon mémorable : "Elle veut être un homme, un homme/ Mais elle ment/ Elle veut renaître, encore une fois/ Mais elle perdra/ Elle dessine son entrejambe toute seule/ Mais elle perdra parce que c'est un faux.")

Mais PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE, son quatrième long métrage qui sortira le 9 juin via Because Music, est une toute autre bête – à la fois un départ des albums imprégnés de synthpop qui l'ont précédé et une expansion immaculée de son écriture décomplexée.

Le projet passion – un album concept en trois parties, fortement inspiré du prix Pulitzer de Tony Kushner et de la pièce primée en 1991 Angels in America et de la mort de sa mère, Martine Letissier en 2019 – est un tour de force lyrique qui évite la pop traditionnelle pour une tentaculaire , quête visionnaire racontée sur 20 titres et 96 minutes. Le résultat élyséen est parfois riche et révélateur, capiteux et hypnotique à d'autres.

PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE représente également une évolution complète de la version de Letissier qui s'est imposée comme une star prometteuse de la sphère indie pop il y a près d'une décennie. "Ça m'a changé. Ça l'a fait", dit Letissier à propos de l'album. "Je suis en thérapie maintenant et j'ai le bon sexe. Je suis présent. [Rires.] Enfin, oh mon dieu ! Ça a pris le temps qu'il a fallu, hein ?"

Si ses pensées sincères sont une indication, le voyage de découverte de soi de Letissier a été long et sinueux. En fait, il n'est pas exagéré de dire que la chanteuse française est une artiste totalement différente de la pop star féminine queer présentée dans Chaleur humaine en 2014 (qui a reçu une réédition en anglais l'année suivante sous le nom de Christine and the Queens). À l'époque, Letissier s'identifiait comme une femme et utilisait ses pronoms - s'alignant sur le surnom féminin de son nom de scène - et présentait l'androgynie de Christine comme une sorte de spectacle d'art de la performance à travers des premières chansons comme celle mentionnée ci-dessus " iT", "Saint Claude" et "Tilted".

Pour Chris, son suivi de 2018, Letissier a ajouté une autre couche à son nom de scène et à son personnage. En tant que titulaire Chris, le chanteur s'est coupé les cheveux en un pompadour lisse et a enfilé une garde-robe tournante pleine de chemises boutonnées, de pantalons larges et de costumes parfaitement adaptés.

"Chaque récit de héros masculin que je pouvais trouver, je voulais le voler pour moi et le tordre à ma taille", a déclaré Letissier dans un profil pour le New York Times à l'époque. "Le premier album parlait d'une jeune fille queer qui était un peu mélancolique, mais maintenant je fais travailler mes muscles. Je voulais expérimenter un son plus dur et plus agressif."

Cette approche a donné des succès remplis de machisme comme "Girlfriend" (et son clip à la West Side Story) et le premier album "Comme Si", sur lequel Chris déclare : "Il y a une fierté dans mon chant/ L'épaisseur d'une nouvelle peau/ J'en ai fini avec mon appartenance."

À l'époque, Letissier avait commencé à s'identifier publiquement à la fois comme pansexuel et genderqueer tout en gardant une emprise sur son sexe féminin attribué à la naissance. "Je dis que je suis fluide parce que je crois que ma féminité est faite, vous savez, de soupçons de masculinité et de doutes et d'hésitations", a-t-il déclaré à BBC Newsnight. "Je ne suis pas si sûre de ce que cela signifie d'être une femme même si j'en suis une… J'essaie juste de déconstruire un peu, parce que je pense qu'à un moment donné, les tropes de genre me semblaient un peu étroits."

Quelques années plus tard, Letissier adoptera en fait une gamme élargie de pronoms, y compris ils / eux, dans son voyage vers une réalisation de soi plus complète. Mais avec le recul, il considère toujours ses deux premiers albums comme des représentations honnêtes de qui et où il se trouvait à chaque moment particulier.

"Je pense que je comprends mieux ce que je veux devenir", a déclaré Chris à GRAMMY.com. "J'ai commencé très jeune, mon premier album est devenu très jeune. Je pense que Chris est aussi l'expression [de] l'étirement de mes nerfs, mais je pensais toujours en termes de structure pop, de corps de femme, et je apprivoisait le reste."

Dans les premiers jours de la pandémie de 2020, Letissier a ensuite sorti La vita nuova, un EP émouvant ancré par le premier single "People I've been sad", et un court métrage correspondant sur ses six chansons. La sortie de six titres a gardé la théâtralité et la chorégraphie de Chris au premier plan – le visuel de "People I've been sad" le trouve dansant avec un démon cornu sur un toit parisien avec la Tour Eiffel en vue – mais l'a trouvé explorant de nouvelles profondeurs d'émotion dans le sillage immédiat de la perte de sa mère bien-aimée.

"Il y avait un réel sentiment de démêlage qui était assez présent. C'est vrai", a-t-il déclaré à NME à propos de la canalisation de son chagrin dans La vita nuova. [L'EP] est le résultat d'avoir reçu de nombreux coups de poing émotionnels au visage en 2019… J'ai vécu beaucoup de choses profondes lors de la tournée du deuxième album, et la tension entre la tournée et le reste de ma vie s'effondrant est devenue insupportable ."

Redcar les adorables étoiles (prologue), le prochain long métrage du multi-trait d'union, est arrivé fin 2022 en tant que véhicule pour faire ses débuts avec son dernier alter ego, Redcar. Et bien que le titre de l'album indiquait qu'il s'agissait d'un prédécesseur pour ce qui allait suivre, Letissier révèle qu'il était déjà plongé dans le processus de création de PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE lorsqu'il a été frappé par l'idée que le triptyque céleste avait besoin d'un français- précurseur du langage.

"Cela ressemblait à un prologue dont j'aurais d'abord besoin pour revenir dans l'autre morceau", dit-il à propos de Redcar, qu'il a écrit et enregistré en seulement deux semaines avec le coproducteur Mike Dean. "Donc, c'était comme ce couloir d'un film de Kubrick où le temps est foutu, et vous devez en fait travailler sur quelque chose après le noyau pour jouer avant le noyau."

Il embrassait le surnom de Redcar – inspiré en voyant voiture rouge après voiture rouge dans les rues de Los Angeles à la suite de la mort de sa mère – qui a également donné à Letissier l'espace pour embrasser son identité d'homme trans.

Il a détaillé son coming-out et son rapport évolutif au genre dans un profil Vogue lors de la sortie de Redcar les adorables étoiles (prologue) en novembre dernier. "Mon approche de la transité ne va pas particulièrement plaire ou rassurer, car je ne crois pas devoir réconforter qui que ce soit avec n'importe quel type de dépassement.

"Mon histoire parle de tolérance et de déconstruction collective", a-t-il poursuivi. "Je veux garder mon corps tel qu'il est. Je sors pour être heureux et libre, pour être aimé et aimer, pour jouir de ma chair et de sa contradiction, pour aider à élargir la conscience de chacun - en lentement, j'espère, pour l'avenir des générations aussi, déracinant cette approche binaire et capitaliste de la vie humaine... Redcar est la description de ce que j'ai vécu."

Et si (prologue) était un aperçu de la transformation artistique et personnelle de Letissier, son successeur déroule la suite de son histoire dans toute sa splendeur séraphique.

« À travers la lumière, souviens-toi. Écoute, mon bébé. Bienvenue dans le conte des contes. Bienvenue dans le conte de ta propre lumière, mon enfant. "D'où je me tiens, tout est glorieux."

Avec cette proclamation, l'artiste indique clairement qu'il a, en effet, jeté le livre de règles pop typique par la fenêtre et n'est pas intéressé à regarder en arrière. "J'ai l'impression que l'hyper-rationalisation de l'efficacité dans la musique pop tue un peu le plaisir", dit-il. « Nous travaillons sur des échelles très étroites, des intervalles identiques. Nous recherchons l'efficacité, et je voulais rechercher la vérité, quoi. »

Le résultat est 96 minutes de musique magnifiquement dense et puissante qui parvient en quelque sorte à être simultanément grandiose et complexe à la fois dans sa construction et sa performance. Chris superpose des harmonies médiévales sur des paysages sonores éthérés et oniriques - accueillant les visites célestes et contemplant l'invisible, alors qu'il traite le chagrin de la mort de sa mère et les quêtes de transcendance au service de ce que "l'invisible" exigeait de lui.

Madonna - qu'il appelle avec révérence à la fois "Metatron, quoi" et "l'ange de la transformation" - joue un rôle clé sur plusieurs pistes en tant que personnage omniscient et ambivalent appelé le One Big Eye.

Se penchant sur le récit noble de l'album, Letissier décrit One Big Eye de Madonna comme "la voix de la grande simulation", "un ange déguisé", peut-être la voix de sa propre mère décédée "parlant de loin" ou même la Sainte Mary elle-même - ou mieux encore, tous à la fois. (070 Shake incarne également son propre personnage angélique sur les chansons d'ANGELS "True love" et "Let me touch you once".)

Selon Letissier, un processus de création aussi extrême ne ressemblait à rien de ce qu'il avait connu auparavant, et être poussé au bord du gouffre l'a amené à remettre en question, parfois, à la fois sa pratique de musicien et sa capacité à servir de véhicule à la musique qu'il était. recevoir.

"Je me souviens qu'à un moment donné, j'étais tellement perdu dans les voix que j'avais et les possibilités que j'avais, 'Je pourrais aussi être fou'", dit-il avec un sourire ironique. "Et j'ai demandé, en fait, à un chaman, j'étais comme, 'Est-ce que je deviens vraiment plus clair? Ou suis-je juste fou de chauve-souris?' Elle était comme, 'Les deux, mon bon monsieur. Parce que le multivers est réel.'"

Bientôt, des chansons comme "Les larmes peuvent être si douces", "Il brille depuis toujours, mon fils" et "Pour être honnête" sont nées, souvent écrites en une seule prise tôt le matin, arrivant dans un éclair d'inspiration. Avec le recul, Letissier dit que l'expérience l'a transformé en "l'orant fou", singulièrement dévoué à ce qui est devenu une pratique quasi-spirituelle. «Je n'ai jamais autant intériorisé ma pratique. Je suis devenu fou. de ma journée et j'étais seul à prier.

"Et ce qui est fou avec notre talent artistique, je pense que nous devons être courageux la plupart du temps", poursuit-il. "Bien plus que même habiles, nous devons être courageux. Implacables. Patients. Endurants. Plus que même de signaler les talents que nous avons."

Heureusement, le chanteur dit que sa dévotion enragée à créer PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE l'a conduit à une sorte de guérison et l'a rapproché de l'esprit de sa mère.

"C'était un festin terrifiant mais magnifique. C'était hanté", avoue-t-il. "Mais au-delà de ça, c'était une bénédiction. C'était comme si je me souvenais parfois de sa voix à travers la mienne. J'avais presque l'impression qu'elle avait une touche sur les chansons elles-mêmes. Il y a une chanson intitulée" J'ai rencontré un ange ". Quand je l'ai écrit, ça dit : "Ouvre ton cœur, mon amour" et tu. Je me disais : "Elle parle. Elle me dit juste que c'est bien d'être moi et d'être ce musicien. Cet homme."

"Perdre quelqu'un qu'on adore est une expérience terrible bien sûr, de douleur, et tu", ajoute Letissier. "Mais ce qui est génial avec l'amour quand il est si profond, c'est qu'elle a trouvé un moyen de prendre soin de moi grâce à la magie. Je crois que, je n'ai même pas peur de dire que je lui parle presque tous les jours. J'ai l'impression que quand je me connaissais mieux, elle m'appelait « mon fils ». Tu sais, j'ai l'impression que c'est... tu ne romps jamais le lien."

Maintenant sur le point de partager PARANOïA, ANGELS, TRUE LOVE avec le monde, Letissier est non seulement arrivé à lui-même, mais il voit aussi à quel point chaque étape, chaque chanson et chaque album était nécessaire pour l'amener à ce point.

"Ce qu'il y a de bien chez moi, c'est que je suis un homme tellement cohérent", dit-il. "J'ai été honnête tout le temps. La grande chose qui m'a sauvé le cul en thérapie du dégoût de soi - de réaliser à quel point j'étais aveugle à mon état - c'est que la musique a été là tout le temps pour le dire. J'ai été une mère-amante honnête dans ma pratique. Ma grosse erreur a été de dire aux gens que c'était une performance.

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Photo : Avec l'aimable autorisation de La'Ron Hines

vidéo

Le créateur de contenu, acteur et chanteur La'Ron Hines lance sa troisième sortie en tant qu'artiste - une chanson d'amour confiante intitulée "Down" - avec une performance ondulée à la guitare électrique.

Avec son dernier single, "Down", le nouveau venu du R&B La'Ron Hines raconte les ingrédients passionnés d'une relation naissante : une chimie brûlante, un engouement torride et un charme intense. Plus que tout, Hines voit tout à travers des lunettes roses et une confiance infaillible qu'ils peuvent conquérir le monde ensemble.

"Je peux probablement vous mettre dans le rythme/Je veux apprendre à vous connaître vraiment en douceur/Movin' au rythme/Nous pouvons l'arrêter", chante Hines dans le refrain du morceau. "J'ai un peu soif de plus, ouais / L'herbe est toujours verte avec toi / Gardons-la douce et simple, allons-y."

Dans cet épisode de Press Play, Hines livre une performance contagieuse de "Down". Il reste simple, interprétant la chanson sur une guitare électrique ondulée.

Hines a commencé une carrière musicale après être devenu célèbre sur TikTok (en particulier avec ses vidéos de trivia sur la garderie), ce qui lui a valu une place dans les meilleurs créateurs de Forbes en 2022. "Down" est le troisième single de son catalogue en pleine croissance en tant que chanteur, et suit la sortie de son offre de décembre, "Web of Lies".

Regardez la vidéo ci-dessus pour voir La'Ron Hines devenir "Down" dans cette performance exclusive de son nouveau single charismatique, et revenez sur GRAMMY.com pour plus d'épisodes de Press Play.

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